精彩的表演技能

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舞台照因其不可复制性、即时性、流动性和艺术性,吸引了众多摄影家的关注,拍摄舞蹈照是众多摄影师都愿意尝试的挑战领域之一,然而拍好舞台照,特别是舞蹈照的难度或许只有亲身经历过的摄影师才能感受,今天,我们特意搜集了一些摄影师撰写的有关舞台照的文章,分享给大家。

希望能对有兴趣拍摄舞台照的朋友一些参考及帮助,优秀的舞台作品可以让摄影师拥有展示自己才华的空间,作品也会因为摄影师的作品获得更广泛的传播!

一、拍摄舞台照的几点切身体验

1器材的选择

舞台表演的形式比较多样,各种表演的动作幅度和方式都截然不同,如话剧、朗诵、音乐和器乐等表演几乎没有什么大动作,可以使用比较低的快门速度,而有些表演如舞蹈、戏剧中的武打场景等动作迅速,疾如雷霆,拍摄时有很大难度,它几乎和体育摄影没有多少差别。所以就器材选择来说,舞台摄影最好使用反应灵敏的单镜头反光数码相机,以便抓瞬间,如果使用便携式数码相机,最好选择那些时滞较小的相机,否则拍摄话剧等还勉强可以,拍摄节奏欢快的舞蹈显然成功率就很低了。

2关于白平衡

舞台灯光丰富多变,强度和色温的变换也相当大,这些不同颜色、小同强度的光线也是舞台艺术语言的一个重要组成部分,一般在拍摄时候能准确反映原有的色彩关系比较好。所以除了少数需将人物皮肤作良好色彩还原而光线变化不大的场景可采用手动白平衡模式外,在许多不同效果灯光下拍摄,要纠正某些偏色不但不可能,也没有必要。因此一般情况下可采用“自动白平衡”模式,让相机自行处理。这样做一来可留有适当的现场气氛,二来即使有少量的偏色,也可在后期稍作调整。

3关于准确曝光

由于舞台灯光在安排和设计上具有很强的艺术效果,有专业的灯光师来操作,只有准确曝光才能够显示出原有的效果。在拍摄时一般可以采用两种测光方式,如果舞台亮度相对均匀,可以使用偏重中央重点测光功能。如果是拍摄追光灯等或以暗背景为主场景时,就需要使用点测光,以避免环境亮度影响,切实根据重要对象实际亮度来确定曝光量。所以在拍摄像独唱、独舞、独自等环境大主体小的场景时就需要采用点测光;而在拍摄大场面众多演员同时表演时,只要主体集中在相对中心部位或占了较大比率,就可采用中央重点测光或较平均测光模式,这样反而容易得到准确曝光。

4关于抓瞬间

舞台摄影主要有两种拍摄内容,一种是拍摄相对静止的对象,比如说像一般的歌唱表演或者乐器表演等等,还有一些是像舞蹈表演之类动作比较快速,变化多端的内容。拍摄后者时不但对器材响应时间有一定要求,而且对摄影师的临场反应也是一个考验。在拍摄动作幅度大的舞台摄影时,一定要预先对焦或者确定大致的焦点,然后半按快门,留有提前量,不然很难抓拍到动作的高潮,甚至常常会出现你打算拍摄正面最后却拍摄到背面的尴尬情况。尽管有些便携式数码相机也有连续拍摄功能,但是在作连续拍摄时快门响应和图像处理都需要时间,对抓瞬间而言,未必真正有显著效果。而数码单镜头反光相机,由于动作过程比较迅速,使用连拍的成功率也将提高许多。如果可能的话可以参加彩排活动,看看演员们的走向,没有这个机会的话,就要寻找规律对于演员的下一个动作具有一定的预测性。

5选择合适的快门速度

快门速度对舞台上人物动作的反映具有重要作用,快门速度高,快速运动的对象被凝固,人物显得清晰;快门速度低于被摄体的运动速度,即使原来动作很缓慢的对象也呈现虚化的影像。所以,为了达到不同的拍摄目的,要选择不同的快门速度。数码相机与传统相机比较,在选择快门速度方面有一定优势,因为感光度可以调节,需要提高快门速度时可选择较高的感光度,反之亦然。一般拍摄舞台动作剧烈变化的旋转、跳跃等动作,如需将对象的瞬间凝固在空间,可以参照体育摄影的快门速度,最好使用不低于1/250s的快门速度。要是开足光圈仍然难以满足需要,就可采用提高感光度来相应提局快门速度。要是仍然不够,就可以借助闪光灯作主光源凝固瞬间。

6如何获得虚实相间的人物形象

通过闪光灯和自然的结合,可以得到一种动静结合、虚实相间的特别效法。如前所说,快门速度低于被摄体运动速度,即使原来动作缓慢的对象也会呈现虚化的影像。而电子闪光灯的闪光时间短,往往在1/1000s左右甚至更短。因此闪光灯可将被摄对象活动的瞬间凝固,形成极其清晰的实像。而将闪光灯和低速快门结合曝光后就可获得很特别的虚实相间成像效果。比如说使用1/15s的快门速度,同时使用闪光灯(可以是相机内置的闪光灯,也可以是外置式闪光灯),这样快门速度和光圈的组合可获得自然感光,但由于曝光时间长,活动的影像将成虚像,从而形成一定的动感。而闪光灯又将活动的对象凝固成极清晰的实像,就构成了虚实相间的人物形象。

7身体的旋律

总之,舞台摄影是对摄影者摄影技能的综合能力考验。在舞台摄影中,传统摄影中使用的各种技巧(除了多次曝光外,因数码相机在拍摄时候没有多次曝光功能,但在舞台艺术摄影中借助后期处理,仍然可获得传统摄影中不大可能获得的合成叠放等特殊效果)都可以运用,关键是要针对自己的拍摄目的,采用相应措施,重点发挥数码相机可随时调节感光度以及各种色彩平衡等优势,应该说只要真正熟悉数码相机的功能,数码相机在舞台摄影中是能够发挥比传统相机更大优势的。

二、怎样拍摄舞蹈表演的照片

舞蹈表演是以经过提炼和节奏化了的动作,来抒情叙事,表现主题的,那么在拍摄时,应该掌握哪些技巧呢?

拍摄时,必须抓住“动”的特点。例如,表演中的跳跃、旋转、手舞足蹈以及抒情的动作等,都是通过不同动作,使人物的内心世界得到美的表露。所以,宜采用抓拍的方法。拍摄舞蹈表演,一般要注意以下几点:

A. 拍摄跳跃动作,关键是把握住节奏。就是说,演员表演时,必然根据音乐节奏进行,所以,摄影者也要参照音乐节奏抓拍如果照相机快门和演员动作同步,就容易抓住动作的高潮。在客观上,演员跳跃时,存在着一种规律,就是动态中有相对静止。在跳跃动作的全过程中,静止的瞬间,必然出现在动作最高潮的时刻,应抓住这个瞬间揿按快门。

B.拍摄旋转和手舞足蹈的动作,要注意快门速度的适当选择,因为拍摄动体的快门速度决定着所摄影像的虚实。如果快门速度过快,在摄影画面上,演员的动作就会停滞,一览无遗;而快门速度过慢,则影像又会虚糊,面目全非。拍摄舞蹈表演,通常用1/60 秒的快门速度,既能保持演员面部清晰,又能表现出因手脚运动略虚而富有动感的优美舞姿,这样,实中带虚,可使摄影画面别具韵味。

C.拍摄抒情的慢动作,要在抓住情绪的前提下,反映出演员的柔美和舞姿的变化,突出优美的戏剧造型和含蓄的意境从而显示浓郁的抒情色彩。

D.舞台摄影,拍摄点,可选择前排座位或乐池;如果能在舞台上拍摄,则更为灵活便于抓拍特写摄影画面。拍摄露天舞台的舞蹈表演,拍摄点应该接近演员,以观众为陪衬,既可避免摄影画面单调,又以能显示热烈的演出场景。

三、现代舞的拍摄技巧

与其他舞蹈相比,现代舞具有三个明显的特征。

一、现代舞具有鲜明的个性。现代舞要表现的不是某一种民族或地域的共性,而是舞蹈家本身独特的艺术个性。舞蹈家在舞蹈中传达自己对生活的体验、思考,这种体验因每个人不同的文化背景和阅历,而更显得独特和新颖。

二、现代舞具有时代性。现代舞展示的不是对过去的沉湎,而是编舞家今时今日的感受和思考。现代舞的内涵和形式必定反映了具有时代意义的价值观和审美情趣。因此,现代舞蹈家就算在处理最陈旧的题材,譬如男欢女爱,生离死别等,也会自出抒机,展示新人类对旧事物的时代诠释。

三、现代舞具有原创性。现代舞展示的不是人云亦云的陈词滥调,而是独特的不与俗流的形态和意识,现代舞的主旨、形式结构、内容等等,都希望要与众不同,做别人所未做过的尝试,标新立异,表现出独树一帜的创意。

通过观察和分析,抽象的现代舞可以使观舞者发现舞蹈可以有广泛的联想及诠释空间,并令其想象力解放出来,进入创作性的思考领域。事实上,这正是现代舞让观众一方作主动回应的特别理念。

现代舞舞姿简炼,动作活跃、舒展、自由、奔放、热烈,内容看似单一,却是内涵丰富、寓意深刻、情感充沛。

以形体构成、光色调配、明暗对比、线条组合等手段,可以塑造出直观可见、可感的艺术形象。“用外在的东西把内在的东西表现出来。”通过“形”、“神”的和谐一体,反映某种意蕴。

为了拍出我对现代舞的感受和理解,我尝试过用多种方式进行拍摄。

用慢速后帘同步闪光是我最初的构想,但舞台表演禁止使用闪光灯,于是我又用了高速、慢速和多次曝光等方式来拍,结果是多次曝光最合我的心意。单次高速的,太静,象剧照,没有个性;慢速拍的,过虚,没有实点,不知所云;多次曝光(2-6次),可以实中带虚、虚中有实,动静结合、有动有静,实处可以清晰地抓住舞蹈动作精彩的瞬间动作;虚处可以拍出舞蹈运动时的虚幻轨迹。但哪一段该动?哪一段该静?这,全凭摄影者自己对舞蹈的感悟和心灵的感应来决定按下快门的瞬间和希望达到的效果,完全是个人主观对现场舞蹈的再创作。我最初是用两次曝光拍的,第一次用高速(1/60-1/250秒)凝住一个动作瞬间,第二次用慢速(1/3-1/8秒)做出舞蹈运动的虚影,使之有动有静。但后来觉得两次曝光,画面还是寡了一点,因为现代舞大都以独舞或双人舞表演为多,于是我就用了三次、四次,甚至五次至六次曝光来拍摄;由于我拍现代舞都是在剧院拍的,固定坐位,不能随意走动,所以画面角度基本一样,但为了使到一组组照在画面上看起来有所变化,我除了注意有动静结合的,有静静结合的,还注意中景和特写结合,力求使到作品画面更加丰富、饱满、耐看。

现代舞舞蹈动作的即兴性和力度感很强,随时都有令你意想不到的精彩,因此,拍现代舞是件十分紧张、刺激的活儿。特别是用多次曝光的方法拍,一边是要盯紧台上的表演,别错过了精彩的瞬间;一边是要盘算着这次是用三次曝光还是多几次为好,是先快(门)后慢(门)呢,还是先慢(门)后快(门)……虽是置身于冷气剧场,但一场演出下来,还是拍得满头大汗。

我拍现代舞,开始也用负片,但色彩、效果都不理想,于是全部改用反转片拍。用反转片拍不仅色彩更艳丽,连暗部细节都能反映出来,达到较好的图像效果。

从98年开始,基本上一有现代舞、现代芭蕾舞、爵士芭蕾舞、国内的、国外的演出,我都争取到现场拍摄。

“摄影是一门遗憾的艺术”。尤其是拍现代舞,由于不可预知的因素太多,动静处理的效果并不能事前确定:该动的是否动的到位,要实处是否抓住了动作的精髓,都无法做到保证。因此,拍摄现代舞的作品成功率很低(尤其是拍反转片,曝光量控制更严格,有时拍到的画面不错,但多曝了一次,过量了,也就报废了,十分可惜),必须多拍才有好片出,而且这张片子是唯一的,不可重复的。虽然现代舞表演在舞台上的动作是一样的,但每个人对舞蹈的感受和抓取的瞬间、处理方式都不相同,即使是同一个人两次去拍同样的动作场面,得出的照片也都不能相同。因此,虽然现在拍现代舞的影友越来越多,却绝无相同的。

通过借助现代舞这个载体,拍出我内心深处同样飘荡着的一种空灵又飘逸、自由又迷茫的感觉,在给人带来形式感强的抽象美之时还能带给人以沉思与想象,并且强调个人主观感受,这就是我喜欢上拍现代舞的原因所在。   我力求拍下来的不仅是眼见的东西,而且还有想到的东西。”前苏联摄影家加兰宁说的话,也正是我的追求。

四、凝固舞动的精彩瞬间 舞台摄影拍摄技巧

随着数字单反相机的不断普及,喜欢摄影,从事摄影的人也越来越多了,摄影专业领域的细分也越来越精确,摄影师们都开始有了各自不同的拍摄题材或领域。

由于演出的不断增多,舞台摄影,是近几年开始兴起的一个新的摄影门类,在各个演出现场也有越来越多的摄影师或影友加入到舞台摄影中来。

焦距: 200mm  光圈:f/2.8  ISO:1000  曝光时间:1/400s

在国内,最初一般舞台摄影师,都是在各个演出院团的专职摄影师,我最初是中央芭蕾舞团的在职摄影师,现在是中国国家大剧院官方摄影师,另外也有一些各大新闻机构的摄影师。近些年来,特别是国家大剧院的建立和对剧场摄影的严格限制和要求,更加规范了国内的舞台摄影。

焦距: 170mm  光圈:f/2.8  ISO:8000  曝光时间:1/400s

首先,对于一个舞台摄影师,第一重要的是摄影师的自律,在很多正式演出中,如果是一个真正专业的舞台摄影师的话,必须做到不能影响观众的观赏和演出的正常进行。在演出中,如果一旦位置选定的话,演出开始后,是不能随意变换位置的。

焦距: 220mm  光圈:f/2.8  ISO:400  曝光时间:1/250s

第二,摄影师在拍摄时应尽量避免发出声响或噪音,不能影响周边观众欣赏演出。在国家大剧院,所有大剧院聘用摄影师都是被要求必须使用消音罩的。由于近两年佳能EOS 5D3等型号相机具备了静音快门,静音效果在单反里比较明显,大剧院使用佳能拍摄的官方摄影师,几乎都换用了5D3。另外,我印象中,好像北京各个院团的专职舞台摄影师也大都换用了EOS 5D3,我则选择了换用EOS 6D,我个人认为好像EOS 6D的快门声音比EOS 5D3更小,还有6D的中央对焦点在暗处对焦更加灵敏,但对焦点没有5D3多。

焦距: 143mm  光圈:f/4.5  ISO:800  曝光时间:1/250s

第三,舞台摄影中是绝对禁止使用闪光灯和对焦辅助灯的。在大剧院,甚至回看照片都是被严格限制和禁止的,连相机机身上由于存储照片发出的提示灯都被要求用黑胶布贴起来。

上面这张照片拍摄的比较意外,是在演出全部结束后,演员的谢幕,当时我一直坚持到最后,并且相机没有收起来,在花瓣撒下来的一瞬间,举起相机拍到了这张照片。

焦距: 85mm  光圈:f/1.2  ISO:800  曝光时间:1/500s

第四,在国际上,很多职业舞台摄影师,在剧场拍摄中,还会尽量穿深色的衣服,让自己融入观众之中。

上面这张照片是2002年我第一次拍摄舞蹈的作品,使用的相机是EOS D60,在当时是新型号的相机,镜头是200 F1.8,正是这组照片让我开始感受到了舞蹈的魅力,开始尝试拍摄舞蹈作品。

焦距: 240mm  光圈:f/2.8  ISO:4000  曝光时间:1/320s

这几条要求是国际上对于舞台摄影师最基本职业素养的要求,也就是说,舞台演出时,剧场并不是摄影师自由创作的天地,舞台摄影师是在无数的苛刻束缚中完成对舞台的拍摄创作的。要想真正做一个称职的专业剧场舞台摄影师,这是必须要遵守的职业标准。

在舞台摄影中,又有很多种类别,比如,舞蹈,话剧,京剧,歌剧,音乐会等等,而在这之中,拍摄难度最大的莫过于舞蹈类的舞台拍摄,可以说,如果能把舞蹈的舞台拍好,其他类别也就会相对容易上手。

焦距: 85mm  光圈:f/1.8  ISO:100  曝光时间:1/400s

焦距: 170mm  光圈:f/2.8  ISO:3200  曝光时间:1/320s

这张照片,是在EOS 5D3发布不久后,首次使用5D3拍摄的舞台作品,使用的镜头是佳能的70-200mm f/2.8L IS II USM镜头,首次感受到了佳能静音模式在大剧院中的效果,静音效果让我觉得非常满意。

焦距: 120mm  光圈:f/2.8  ISO:800  曝光时间:1/125s

在器材方面,我十几年舞台拍摄中,绝大部份时间都是在运用佳能数字单反拍摄,不过镜头使用的变化却比较大,由于在演出中,经常会有非常昏暗灯光的场景出现,而早期数字单反的高感性能还不够好,就必须依靠大光圈镜头来弥补高感的不足,所以,在最初十年,我一直是使用一只佳能200MM光圈F1.8的超大光圈镜头拍摄舞台。随着高感的不断进步,特别是5D3以后,高感的画质变得可以接受了,反而是方便快捷的变焦镜头更加适合舞台复杂多变的拍摄。我现在基本上是用两台EOS6D相机,EF24-105F4,70-200F2.8两支镜头拍摄,之所以不选择EOS1DX是因为它的静音做的不如5D3或6D好,在剧场中,它的快门声音还是太大。

在舞台拍摄经验上,我从来不会手持拍摄舞台演出,一定会使用独脚架或三脚架,使用长焦镜头手持将近两个小时的舞台演出,对体力是巨大的考验。拍摄模式上,我基本都会使用手动曝光模式,光圈几乎永远是开到最大,快门速度如果是捕捉瞬间精彩动作的话,会设定在1/400秒甚至更高。感光度则根据现场光线的变化,随时调整,而白平衡,从使用EOS6D以后,则几乎都在使用自动白平衡,在使用6D之前是根据不同光线的变化,随时调整。拍摄图片格式上,我基本都会使用RAW+JPGE的格式,用RAW来补救一些白平衡或曝光上的问题。拍摄的驱动模式上,现在我永远使用的是佳能的QS档,也就是静音单次拍摄模式,我从来没有在舞台拍摄中使用过连拍模式,因为,高速连拍会带来巨大的噪音,影响观众欣赏,也给自己的后期工作量带来巨大的压力,而且,我做过测试,即使是使用一秒14张的连拍,也有百分之三十到四十的机率错过最精彩瞬间。相机使用上,我现阶段会两台相机同时使用,一台使用标准变焦,一台使用长焦,在剧场演出中,光线比较黑暗,更换镜头经常会错过精彩瞬间。

焦距:85mm  光圈:f/1.2  ISO:400  曝光时间:1/750s

在舞台的拍摄技巧上,除了用快门凝固精彩的瞬间外,还有一些特殊的小技巧来营造一些艺术效果,比较常见的有使用三脚架及慢速快门,来营造舞台中流动的效果。还有利用变焦镜头,慢速拍摄的时候突然改变焦距,产生爆炸的效果,但一般这种方式,我只会在不是拍摄任务的时候使用。

焦距:80mm  光圈:f/4  ISO:100  曝光时间:1/20s

这张照片的拍摄是有小故事的,这是一场杂技的演出,当演到车技的时候,我突然有了想拍摄带有冲击力的爆炸效果照片的想法,就以最快的速度改变了曝光组合,并在自行车第一次骑向我的时候拍摄了这张照片,拍摄后立刻回看,发现几乎就是我脑海里想要的效果,但放大后看发现中间清晰的人后面的人脸有点多,想完美一下这张作品,就又继续用改变焦距的办法拍摄,但都无法超越第一张,由于演出一共演三场,我又为了完美这张照片,继续拍摄了后两场,,每场有三次拍摄机会,但最终,都无法达到第一张的效果。

焦距:28mm  光圈:f/5  ISO:100  曝光时间:1/5s

最后,如果对于舞台作品不太熟悉的话,最好能够提前观看一下彩排,这样会让自己提前了解一些演出中的精彩瞬间出现的时间点,好做到心知肚明。所以只有充分做好各个方面的准备,才能拍到精彩的舞台摄影作品,只有严格遵守舞台摄影中的各项规范,才能做好一个真正称职专业的舞台摄影师。

素材:互联网

编辑:舞蹈界-笑冰

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